दादा से नारीवाद तक: प्रसिद्ध कोलाज कलाकारों के प्रभाव की खोज
कोलाज कला कलात्मक अभिव्यक्ति का एक अनूठा रूप है जिसमें एक सामंजस्यपूर्ण और नेत्रहीन आश्चर्यजनक छवि बनाने के लिए विभिन्न तत्वों और सामग्रियों को मिलाकर शामिल किया जाता है।
कोलाज कला एक है समृद्ध इतिहास डेटिंग 12 वीं शताब्दी के जापान में वापस - पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रैक से पहले एक लूओंग समय ने फॉर्म को फिर से बनाया की तकनीक पपियर कोले (पेस्टेड पेपर) 1910 के दशक में वापस। इन वर्षों में, ऐसे कई कोलाज कलाकार हैं जिन्होंने अपनी अभिनव शैलियों और तकनीकों के साथ कला की दुनिया पर महत्वपूर्ण प्रभाव डाला है।
इस लेख में, हम 11 प्रसिद्ध कोलाज कलाकारों से मिलेंगे जिन्होंने कला की दुनिया पर एक अमिट छाप छोड़ी है। प्राणी एक कोलाज कलाकार खुद, मुझे आश्चर्य हुआ कि इन विशेष कलाकारों में से कुछ मैं जानता था।
आप कैसे हैं?
11 प्रसिद्ध कोलाज कलाकार जिन्होंने आर्टफॉर्म को परिभाषित किया
1
हन्ना होच
हन्ना होच, दादा रसोई चाकू के साथ काटें जर्मनी में अंतिम वीमर बीयर-बेली सांस्कृतिक युग के माध्यम से, 1919। कोलाज। 44 9/10 × 35 2/5 में | 114 × 90 सेमी।
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हन्ना होच (जन्म 1 नवंबर, 1889, में गोथा, जर्मनी, और 31 मई, 1978 को मृत्यु हो गई बर्लिन) एक जर्मन था दादा कलाकार अपने राजनीतिक फोटोमोंटेज के लिए सबसे अच्छी तरह से अखबार की क्लिपिंग और पाया वस्तुओं के लिए जाना जाता है। वह भाग लिया बर्लिन कॉलेज ऑफ आर्ट्स और शिल्प और स्कूल ऑफ द रॉयल म्यूजियम ऑफ एप्लाइड आर्ट्स। होच का काम अक्सर 20 वीं सदी के शुरुआती आदर्श के साथ "" "के आदर्श के साथ जुड़ा हुआ था।नई महिला, "महिलाओं की पारंपरिक घरेलू भूमिकाओं को चुनौती देना।
वह बर्लिन दादा आंदोलन से जुड़ी थी और जैसे कलाकारों के साथ सहयोग किया राउल हौसमैन। दौरान वीमर गणराज्य, होच उदारवादी वातावरण में पनपते हैं, मजाकिया और सूक्ष्म फोटोमोंटेज का उत्पादन करते हैं दिन के प्रमुख मुद्दों पर टिप्पणी की। उनके काम लोकप्रिय संस्कृति से चमकती सामग्रियों के उनके उपयोग में अभिनव थे, और उन्हें फोटोमोंटेज के प्रवर्तकों में से एक माना जाता है।
होच की कला को नाजी शासन द्वारा पतित माना जाता था, और वह द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान रिश्तेदार अस्पष्टता में रहती थी। इसके बावजूद, उनका प्रभाव सिंडी शर्मन और हन्ना विल्के जैसे बाद के कलाकारों के कामों में देखा जा सकता है। होच की कला वर्तमान में मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट और न्यूयॉर्क में म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट, और बर्लिनिस्चे गैलेरी के संग्रह में आयोजित की जाती है।
हन्ना होक का सबसे प्रसिद्ध काम 1919 का फोटोमोंटेज है जिसका शीर्षक है "कट विद द किचन चाकू जर्मनी के अंतिम वीमर बीयर बेली सांस्कृतिक युग के माध्यम से दादा। " विचार-उत्तेजक कला बनाएँ। फोटोमोंटेज में अखबारों, पत्रिकाओं और अन्य मीडिया स्रोतों से छवियों का एक कोलाज है, जो उन्हें अवधि के एक नेत्रहीन हड़ताली और महत्वपूर्ण प्रतिनिधित्व बनाने के लिए उन्हें पुन: व्यवस्थित करता है। यह काम दादा आंदोलन में होच के अग्रणी योगदान का एक प्रमुख उदाहरण है और एक शक्तिशाली कलात्मक माध्यम के रूप में फोटोमोंटेज का उपयोग करने में उनके कौशल का एक प्रमुख उदाहरण है।
2
रोमारे बेयरडेन
रोमारे बेयरडेन, ब्लूज़ की महारानी, 1974, कागज पर ऐक्रेलिक और पेंसिल और पेपरबोर्ड पर मुद्रित कागज, 36 एक्स 48 में। (91.4 एक्स 121.9 सेमी।)
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रोना बियरडेन (1911-1988) एक अफ्रीकी अमेरिकी कलाकार थे जो अपने शक्तिशाली कोलाज कलाकृतियों के लिए जाने जाते थे, जिन्होंने अपने जीवनकाल के दौरान अफ्रीकी अमेरिकी अनुभव को चित्रित किया था। जन्म शार्लोट, उत्तरी केरोलिना, बेयरडेन न्यूयॉर्क शहर और पिट्सबर्ग में बड़ा हुआ, और पर अध्ययन किया न्यूयॉर्क शहर में कला छात्र लीग के साथ जॉर्ज ग्रोसज़ और में कोलम्बिया विश्वविद्यालय। उन्होंने विभिन्न मीडिया के साथ काम किया, जिसमें शामिल हैं कार्टून, तेल और कोलाज.
बियरडेन की कलाकृति ने लगातार अफ्रीकी अमेरिकी संस्कृति और अनुभव को चित्रित किया, जो उनकी यादों के आधार पर ग्रामीण विषयों को कवर करता है दक्षिण, साथ ही साथ शहरी जीवन और जैज़। उनकी कोलाज कलाकृति अक्सर जैज़ के तत्वों को प्रतिबिंबित करती थी, पात्रों के बीच परस्पर क्रिया के साथ और सामग्रियों का सुधार। 1980 के दशक में, उन्होंने महिलाओं की सम्मोहक छवियों की विशेषता वाले काम के एक बड़े शरीर का निर्माण किया।
दौरान हर्लें पुनर्जागरण, रोमारे बेयरडेन का परिवार घर में न्यूयॉर्क शहर प्रमुख बुद्धिजीवियों और कलाकारों के लिए एक सभा स्थल बन गया, जैसे डब्ल्यू। ई। बी। डू बोइस, पॉल रॉबसन, और काउंटी कुलेन। इस वातावरण में बढ़ते हुए, बेयरडेन को संगीत सहित विभिन्न कला रूपों से अवगत कराया गया, और उस समय के कई प्रसिद्ध संगीत किंवदंतियों से मुलाकात की।
विपुल होने के बावजूद, बेयरडेन को अमेरिकी कला की दुनिया में पूर्वाग्रहों और अलगाव के कारण एक प्रमुख अमेरिकी कलाकार के रूप में मान्यता प्राप्त करने में चुनौतियों का सामना करना पड़ा।। हालांकि, उनकी प्रदर्शनियों को उत्साही प्रतिक्रियाएं मिलीं, और 1987 में, उन्हें नेशनल मेडल ऑफ आर्ट्स से सम्मानित किया गया। बियरडेन ने एक गीतकार, बुक इलस्ट्रेटर, और एल्विन एली अमेरिकन डांस कंपनी के लिए डिजाइनर के रूप में भी योगदान दिया। 1990 में, रोमारे बेयरडेन फाउंडेशन को युवा या उभरते कलाकारों और विद्वानों का समर्थन करने के लिए स्थापित किया गया था।
1964 में, बेयरडेन को पहला कला निदेशक नियुक्त किया गया था हार्लेम कल्चरल काउंसिल, एक प्रमुख अफ्रीकी-अमेरिकी वकालत समूह। वह कई महत्वपूर्ण कला स्थानों की स्थापना में शामिल था, जैसे कि हार्लेम और में स्टूडियो संग्रहालय Cinque गैलरी। हार्लेम पुनर्जागरण के लिए बेयरडेन का योगदान उनकी कलाकृति से परे है, क्योंकि उन्होंने युवा, उभरते कलाकारों का सक्रिय रूप से समर्थन किया और अफ्रीकी अमेरिकी संस्कृति और अनुभवों की वकालत की।
यद्यपि बेयरडेन को अपनी दृश्य कला के लिए जाना जाता है, वह संगीत के एक उत्सुक छात्र, एक गीतकार और एक पोशाक और सेट डिजाइनर भी थे। उनकी कलाकृति अक्सर अफ्रीकी अमेरिकी संस्कृति और अनुभवों को दर्शाती है, हार्लेम में उनके जीवन से प्रेरणा लेते हैं और पिट्सबर्ग।
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जॉन हार्टफील्ड
जॉन हार्टफील्ड, कर्ट तुचोलस्की के लिए कवर कला, Deutschland, Deutschland über Alles।
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जॉन हार्टफील्ड (जन्म) हेल्मुट हर्ज़फेल्ड; 1891-1968) एक जर्मन दृश्य कलाकार था जो एक राजनीतिक हथियार के रूप में कला के उपयोग का नेतृत्व किया, विशेष रूप से उनके नाजी और फासीवादी फोटोमोंटेज के माध्यम से। हार्टफील्ड के कार्यों ने अक्सर व्यंग्य छवियों और नारों का इस्तेमाल किया, जो अपने समय की राजनीतिक माहौल की आलोचना करने के लिए, विशेष रूप से के उदय के खिलाफ एडोल्फ हिटलर और तीसरा रैह.
हार्टफील्ड के फोटोमोंटेज को बनाने के लिए श्रेय दिया जाता है 20 वीं शताब्दी के कुछ सबसे प्रतिष्ठित राजनीतिक पोस्टर उनके शक्तिशाली दृश्य प्रभाव और मजबूत राजनीतिक संदेशों को व्यक्त करने की क्षमता के कारण। 1930 से 1938 तक, उन्होंने नाजी-विरोधी कला के 240 टुकड़े डिजाइन किए, जो प्रकाशित हुए थे आइज़ पत्रिका। इन कार्यों की तस्करी की गई जर्मनी से चेकोस्लोवाकिया, ऑस्ट्रिया, स्विट्जरलैंड, और के बाद पूर्वी फ्रांस राष्ट्रीय समाजवादियों ने नियंत्रण कर लिया।
हार्टफील्ड का कलात्मक साहस उनके शारीरिक साहस के बराबर था, क्योंकि उन्होंने 1933 तक बर्लिन में रहते हुए फासी-विरोधी कोलाज का निर्माण करना जारी रखा। उनके फोटोमोंटेज नाजी शासन की भयावहता का पूर्वाभास और राजनीतिक विरोध के एक शक्तिशाली रूप के रूप में कार्य किया, जिससे वह ए राजनीतिक कला के इतिहास में महत्वपूर्ण आंकड़ा.
जॉन हार्टफील्ड के काम ने कई कलाकारों, ग्राफिक डिजाइनरों, टाइपोग्राफर, विज्ञापनदाताओं, फिल्म निर्माताओं, लेखकों और अन्य लोगों को प्रभावित किया है, जिन्होंने उनकी विरासत में प्रेरणा पाई है। पार के कलाकार पूर्वी ब्लॉक, सोवियत रूस, और संयुक्त राज्य अमेरिका ने 1960 और 1970 के दशक के अंत में हार्टफील्ड के फोटोमोंटेज में प्रेरणा पाई। जैसे कलाकारों के लिए क्लाउस स्टैक, László Lakner, और मार्था रोसलर, दूसरों के बीच, उनके काम ने उन्हें एक नई दृश्य भाषा के साथ वामपंथी विचारधाराओं का सामना करने में मदद की।
हार्टफील्ड का अभिनव उपयोग बड़े पैमाने पर संचार के एक शक्तिशाली रूप में फोटोमोंटेज को बदल दियाएन। राजनीतिक प्रभाव के लिए तस्वीरों को विनियोजित करने और पुन: उपयोग करने की उनकी अनूठी पद्धति ने समकालीन कलाकारों को लाभ के लिए कट्टरता, अज्ञानता, हिंसा और संवेदनहीन युद्ध का मुकाबला करने के लिए समान तकनीकों का उपयोग करने के लिए प्रेरित किया है। जॉन हार्टफील्ड प्रदर्शनी में कोलाज कलाकारों से काम किया जाता है जैसे विंस्टन स्मिथ, थॉमस यंग, और डेविड किंग, जो हार्टफील्ड के ग्राउंडब्रेकिंग काम पर जारी रखते हैं और विस्तार करते हैं।
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बारबरा क्रूगर
बारबरा क्रूगर, अनटाइटल्ड (आपका शरीर एक युद्ध का मैदान है), 1989. विनाइल पर फोटोग्राफिक सिल्कस्क्रीन। 112 x 112 इन। (284.48 x 284.48 सेमी)।
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बारबरा क्रूगर (जन्म 26 जनवरी, 1945) एक है अमेरिकी वैचारिक कलाकार और कोलेगिस्ट के साथ जुड़े चित्र पीढ़ी। वह अपने बोल्ड और उत्तेजक कोलाज कलाकृतियों के लिए जानी जाती हैं, जो समाज में महिलाओं की भूमिका पर सवाल उठाती हैं, काले और सफेद तस्वीरों का उपयोग करते हुए व्हाइट-ऑन-रेड फ्यूटुरा बोल्ड तिरछी में घोषणात्मक कैप्शन के साथ ओवरलेड या हेल्वेटिका अल्ट्रा संघनित पाठ। क्रूगर के काम में अक्सर चुनौती देने के लिए छवियों पर बड़े पैमाने पर पाठ शामिल होते हैं सांस्कृतिक धारणाएँ और दर्शकों को त्वरित करें प्रश्न मुख्यधारा के मीडिया संदेश और पहचान और समाज पर उनका प्रभाव।
क्रूगर की हस्ताक्षर शैली थी डिजाइन में उसके शास्त्रीय प्रशिक्षण से प्रभावित और फैशन उद्योग में उनका अनुभव, विशेष रूप से मैडमोसेले मैगज़ीन में मुख्य डिजाइनर के रूप में। उनके काम को नारीवादी फिल्म आलोचना और संरचनावादी साहित्यिक सिद्धांत द्वारा आकार दिया गया था, जिसे उन्होंने सोशल चेंज ग्रुप के लिए कलाकारों की बैठक में अपनी भागीदारी के माध्यम से सामना किया।
क्रूगर की कला उपभोक्तावाद, कामुकता, राजनीति और शक्ति और समाज के बीच संबंध जैसे मुद्दों को संबोधित करती है, कला और व्यावसायिकता के बीच की सीमाओं को धुंधला करना। उसे 20 वीं शताब्दी के सबसे महत्वपूर्ण नारीवादी कलाकारों में से एक माना जाता है, क्योंकि उसे उसके विचार-उत्तेजक और नेत्रहीन हड़ताली कार्यों के माध्यम से पहचान और शक्ति संरचनाओं की चुनौती देने की क्षमता और सवाल पर सवाल उठाने की क्षमता है।
सुनें क्रूगर अपनी कला के बारे में अपने शब्दों में बात करते हैं.
क्रूगर के कुछ सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में शामिल हैं:
"अनटाइटल्ड (आपका शरीर एक युद्ध का मैदान है)"(1989): इस काम में एक महिला के चेहरे की एक ब्लैक-एंड-व्हाइट तस्वीर है, जो आधे में विभाजित है, पाठ के साथ" आपका शरीर एक युद्ध का मैदान है "ओवरलेड। यह महिलाओं के प्रजनन अधिकारों और आसपास की राजनीतिक बहस के जवाब में बनाया गया था। महिलाओं के शरीर पर नियंत्रण के लिए संघर्ष पर एक शक्तिशाली टिप्पणी के रूप में कार्य करता है।
"अनटाइटल्ड (मैं दुकान इसलिए मैं हूँ)"(1987): इस टुकड़े में वाक्यांश की सुविधा है" मैं दुकान इसलिए हूं इसलिए मैं एक क्रेडिट कार्ड रखने वाले हाथ पर आरोपित हूं। यह उपभोक्तावाद की आलोचना करता है और जिस तरह से यह हमारी पहचान और मूल्यों को आकार देता है।
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रॉबर्ट राउचेनबर्ग
रॉबर्ट राउचेनबर्ग, बफ़ेलो II, 1964. कैनवास पर तेल और सिल्कस्क्रीन स्याही
96 x 72 इन। (243.8 x 183.8 सेमी।)।
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रॉबर्ट राउचेनबर्ग (1925-2008) एक था अमेरिकी चित्रकार और ग्राफिक कलाकार उनके "कंबाइन" कार्यों के लिए जाना जाता है, जिसने कला सामग्री के रूप में रोजमर्रा की वस्तुओं को शामिल करके पेंटिंग और मूर्तिकला के बीच के अंतर को धुंधला कर दिया। उन्होंने कला का अध्ययन किया कैनसस सिटी आर्ट इंस्टीट्यूट, एकेडमी जूलियन इन पेरिस, और ब्लैक माउंटेन कॉलेज इन उत्तरी कैरोलिना से पहले जा रहे हैं 1949 में न्यूयॉर्क शहर.
Rauschenberg की एकीकृत एकीकृत वस्तुओं को जोड़ती है जो उन्होंने न्यूयॉर्क शहर की सड़कों से एकत्र कीं, जैसे कि अखबार की कतरन, तस्वीरें, और मिली वस्तुएं। उनका मानना था कि वास्तविक दुनिया की सामग्रियों का उपयोग करने से उनकी कला अधिक हो गई वास्तविकता का प्रतिबिंब और चिंतनशील। उनके कुछ शुरुआती कार्यों ने पॉप आर्ट आंदोलन का अनुमान लगाया, और उन्हें अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के बाद से लगभग हर कला आंदोलन के लिए एक अग्रदूत के रूप में मनाया जाता है।
रॉबर्ट राउचेनबर्ग का कला दुनिया में योगदान महत्वपूर्ण और परिवर्तनकारी था। वह 1950 और 1960 के दशक के दौरान एक प्राथमिक व्यक्ति थे और अमेरिकी के एक प्रमुख अग्रदूत के रूप में मान्यता प्राप्त हो गए पॉप कलाएंडी वारहोल और जैस्पर जॉन्स जैसे समकालीनों के साथ। Rauschenberg के अभिनव दृष्टिकोण, जैसे कामों में देखा गया मोनोग्राम, कला की पारंपरिक सीमाओं का विस्तार किया। भविष्य के कलाकारों के लिए अन्वेषण के नए रास्ते खोलना।
उनका "कंबाइन" काम करता है पेंटिंग और मूर्तिकला के बीच के अंतर को धुंधला कर दिया, जिसमें रोजमर्रा की वस्तुओं को कला सामग्री के रूप में शामिल किया गया और यथास्थिति को चुनौती देना। Rauschenberg की कला अभ्यास और रचनात्मक ऊर्जा कभी भी पूर्वनिर्मित बक्से में फिट नहीं होने वाली थी। कला इतिहासकार ब्रैंडन डब्ल्यू। जोसेफ ने कहा कि राउचेनबर्ग के काम ने एक उत्तेजना, एक प्रेरणा और बोर्ड भर में कलाकारों के लिए एक चुनौती के रूप में कार्य किया।
अपने करियर के दौरान, राउचेनबर्ग ने पेंटिंग, मूर्तिकला, प्रिंट, फोटोग्राफी और प्रदर्शन सहित विभिन्न माध्यमों में काम किया। उन्होंने कोरियोग्राफरों के साथ सहयोग किया मेर्स कनिंघम, पॉल टेलर, और त्रिशा ब्राउन, और 1966 में आर्ट एंड टेक्नोलॉजी (ई.ए.टी.) में अभिनव समूह प्रयोगों के संस्थापक सदस्य थे।
रौसचेनबर्ग ग्राउंडब्रेकिंग दृष्टिकोण और रचनात्मक ऊर्जा कलाकारों की पीढ़ियों पर एक स्थायी प्रभाव था। सुनें कि कैसे Rauschenberg "खेल के नियमों को फिर से लिखें " उनके बेटे, फोटोग्राफर क्रिस राउचेनबर्ग से।
6
कर्ट श्विटर्स
कर्ट श्विटर्स, कठिन, 1942-43। सीollage। 31.25 x 24 इंच (79.37 x 60.96 सेमी)।
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कर्ट श्विटर्स (1887-1948) एक था जर्मन कलाकार दादावाद और निर्माण दोनों में शामिल हैं, अपने मेरज़ और मेरज़बाउ कार्यों के लिए सबसे जाना जाता है। उन्होंने "मर्ज़" शब्द गढ़ा कला की अपनी अनूठी शैली का वर्णन करने के लिए जो अपने कार्यों को बनाने के लिए रोजमर्रा की वस्तुओं का उपयोग करते हैं। Schwitters ने Merzbild (Merz-Paintings) बनाया, जो विभिन्न अपशिष्ट पदार्थों से बने कोलाज और असेंबल थे, जैसे प्रिंट, लेबल, वॉलपेपर और लकड़ी के टुकड़े। और वह कभी भी नुकीले, सियरिंग विषय वस्तु से दूर नहीं हुआ, जिसमें शामिल है हचिंसन इंटर्नमेंट कैंप में उनका समय.
Schwitters 'Merz अवधारणा दादा आंदोलन का एक उप -समूह था, जो अपने स्वयं के कलात्मक दर्शन और विज़न के अनुरूप था। मेरज़ नाम संयोग से एक कोलाज के माध्यम से उत्पन्न किया गया था जिसमें जर्मन शब्द शामिल था "Kommerz "(वाणिज्य)। यह निरर्थक और अनायास उत्पन्न शब्द दादा के शीर्षक के मूल और दर्शन में समान था।
जबकि मेरज़ और दादा कला बारीकी से संबंधित हैं, दोनों के बीच कुछ अंतर हैं। मेरज़ दादा आंदोलन का एक उप -भाग है जो श्विटर्स के अपने कलात्मक दर्शन और विज़न के अनुरूप था। दूसरी ओर, दादा एक व्यापक कला आंदोलन था, जिसमें प्रदर्शन कला, कविता, फोटोग्राफी, मूर्तिकला, पेंटिंग और कोलाज सहित विभिन्न रूपों को शामिल किया गया था। दादा के सौंदर्य को भौतिकवादी और राष्ट्रवादी दृष्टिकोण के अपने मजाक द्वारा चिह्नित किया गया था।
अपने पूरे जीवन के दौरान, Schwitters ने 8,000 से अधिक कार्यों का निर्माण किया, जिसमें आज लगभग 2,500 शेष हैं। कला के लिए उनका अभिनव दृष्टिकोण, फ्यूज़िंग कोलाज और अमूर्तता, प्रभावित कलाकारों जैसे रॉबर्ट राउचेनबर्ग। Schwitters एक बाहरी व्यक्ति और व्यक्तिवादी थे, ड्रेसडेन अकादमी में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद बर्लिन या पेरिस जैसे प्रमुख कलात्मक केंद्रों में नहीं जाना।
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एडुआर्डो पाओलोज़ी
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एडुआर्डो पाओलोज़ी (1924-2005) एक था स्कॉटिश कलाकार अपने अभिनव कोलाज कार्यों के लिए जाना जाता है इसमें लोकप्रिय संस्कृति और प्रौद्योगिकी से छवियों का मिश्रण शामिल था। जन्म लेथ पास इतालवी माता -पिता के लिए एडिनबर्ग, पाओलोज़ी ने एडिनबर्ग में अध्ययन किया और दो साल बिताने से पहले लंदन पेरिस। उन्हें व्यापक रूप से माना जाता है पॉप आर्ट के अग्रदूतों में से एक.
पाओलोज़ी के काम अक्सर कला और सुंदरता की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती दी लोकप्रिय संस्कृति, आधुनिक मशीनरी और प्रौद्योगिकी के साथ अतियथार्थवाद के तत्वों को मिलाकर। अमेरिकी संस्कृति के लिए उनके शुरुआती प्यार ने उन्हें विज्ञापनों से छवियों का उपयोग करके कोलाज बनाने के लिए प्रेरित किया, जो शिनियर, खुशहाल जीवन शैली का प्रतिनिधित्व करते थे जो उभर रहे थे युद्ध के बाद अमेरिका। लेकिन उन्होंने उस रूप और शैली के साथ भी खेला - अपने मोज़ाइक और मूर्तियों में शीर्ष संवेदनाओं पर अपनी शीर्ष संवेदनाओं को प्रसारित करना, विशेष रूप से टोटेनहम कोर्ट रोड ट्यूब स्टेशन.
उनके काम प्रकृति में असली थे, जैसा कि वह संयुक्त पत्रिका विज्ञापन, कार्टून और मशीन पार्ट्स उनकी कला में, पॉप आर्ट की चिंताओं का अनुमान लगाते हुए। पाओलोज़ी विशेष रूप से मास मीडिया और विज्ञान और प्रौद्योगिकी में रुचि रखते थे, जिसने अपने पूरे करियर में उनकी कला को प्रभावित किया। अपने कोलाज कार्यों के अलावा, पाओलोज़ी ने बड़े पैमाने पर आलंकारिक मूर्तियां, प्रिंट और भी तैयार कीं, और मोज़ेक भित्ति चित्र - उनकी जीवंत अपील उधार "अराजकता पर एक तरह का ध्यान केंद्रित".
8
मार्था रोसलर
मार्था रोसलर, कार्गो पंथ, श्रृंखला बॉडी ब्यूटीफुल से, या ब्यूटी नो पेन, 1966-72। पीहॉटोमोंटेज ने फोटोग्राफ के रूप में मुद्रित किया। 39 1/2 x 30 1/4 इन।
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मार्था रोसलर, 1943 में पैदा हुए ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क, एक है अमेरिकी अवधारणा कलाकार अपने नारीवादी कोलाज और फोटोमोंटेज के लिए जाना जाता है। वह विभिन्न माध्यमों में काम करती है, जिसमें फोटोग्राफी, फोटो टेक्स्ट, वीडियो, इंस्टॉलेशन, मूर्तिकला और प्रदर्शन शामिल हैं, साथ ही साथ कला और संस्कृति के बारे में लिखना भी है। रोसलर का काम अक्सर लोकप्रिय संस्कृति और विज्ञापन से छवियों को शामिल करता है समाज में महिलाओं की भूमिका पर सवाल उठाएं और पारंपरिक लिंग भूमिकाओं को चुनौती दें।
मार्था रोस्लर के काम ने समाज में महिलाओं के चित्रण पर सवाल उठाकर नारीवादी कला आंदोलन को काफी प्रभावित किया। उन्होंने पुरुष कलाकारों और कला की दुनिया के अधिक पारंपरिक माध्यमों से खुद को अलग करने के लिए वीडियो जैसी नई तकनीकों का भी इस्तेमाल किया। 1960 के दशक के मध्य में, उन्होंने महिलाओं की सामग्री और मानसिक अधीनता की खोज करने के लिए फोटोमोंटेज बनाना शुरू किया, जो अपनी अंतर्निहित विचारधाराओं को उजागर करने के लिए लोकप्रिय विज्ञापनों में हेरफेर करते थे। उसका काम, जैसे कि "शरीर सुंदर, या ब्यूटी नो पेन नो पेन "श्रृंखला (1966-72), नारीवादी राजनीति से जुड़ी विभिन्न वैचारिक कला प्रथाओं को संयुक्त करती है।
उसके व्यापक रूप से ज्ञात कामों में से एक, "रसोई के सेमोटिक्स"(1975), खाना पकाने का एक वीडियो पैरोडी है जो दिखाता है कि हास्यपूर्ण रूप से पारंपरिक महिला भूमिकाओं के निहितार्थ को संबोधित करता है। पॉप संस्कृति के तत्वों को विनियोजित करके, जैसे कि टेलीविजन और पत्रिका विज्ञापन, रोस्लर के काम की आलोचनाएं सामाजिक मानदंडों और महिलाओं के आसपास की अपेक्षाएं।
रोस्लर की कला अभ्यास विषय वस्तु से परे बढ़ा, क्योंकि वह मानती थी कि कला वास्तव में एक सामाजिक भूमिका पर कब्जा कर सकती है और दर्शक में सहानुभूति और असंतोष को भड़का सकती है। उनके वीडियो ने 1970 और 1980 के दशक से मास मीडिया के संचालन की जांच की, ताकि यह पता चल सके कि उन्होंने एक शालीन जनता की खेती कैसे की। वैकल्पिक कला स्थानों से उभरने वाली नारीवादी प्रदर्शन की लहर से प्रभावित कैलिफोर्निया, रोसलर के काम ने नारीवादी वैचारिक कला के विकास में योगदान दिया और समकालीन कला दृश्य पर एक अमिट छाप छोड़ी।
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जार्ज ब्राक
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पाब्लो पिकासो के साथ जॉर्जेस ब्रैक, एक खेला कोलाज कला के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका। उन्होंने तकनीक का आविष्कार किया पपियर कोले (पेस्टेड पेपर) 1912 में, जिसने कला की दुनिया में एक क्रांतिकारी बदलाव को चिह्नित किया। ब्रैक ने कोलाज को एक कदम आगे ले लिया अपने कैनवस में कट-अप विज्ञापन। उन्होंने अपने चित्रों में आयाम के महान स्तरों को प्राप्त करने के लिए पेंटिंग, रेत के साथ मिश्रित पिगमेंट, और लकड़ी के अनाज और संगमरमर की नकल की। बिल्कुल, कोलाज तब से पहले अच्छी तरह से मौजूद था अन्य रूपों में ...
ब्रैक की कोलाज कलाकृति, जैसे कि 1912 कलाकृति "फ्रूट डिश एंड ग्लास", उसके साथ अशुद्ध-लकड़ी वॉलपेपर के संयुक्त टुकड़े वस्तुओं के क्यूबिस्ट चित्रण। इस तकनीक ने कला के भीतर परिप्रेक्ष्य और अंतरिक्ष के औपचारिक विचारों पर सवाल उठाया, क्योंकि इसने कोलाज तत्वों के क्षेत्रों और उनके काम के भीतर ड्राइंग बनाई। कोलाज कला के लिए उनके अभिनव दृष्टिकोण ने कई समकालीन कलाकारों को प्रभावित किया और कोलाज कला के विकास और विस्तार में योगदान दिया।
1912-14 से क्यूबिज़्म के कोलाज चरण के दौरान, निर्जीव वस्तुएं पिकासो, ब्रैक और जुआन ग्रिस की कल्पना पर हावी थीं। ब्रैक की अभी भी जीवन है एक के पास मानव नाटक के आधार पर, चीजों और पाठ के सरल संयोजन के लिए धन्यवाद। उनकी कोलाज रचनाओं में वास्तविक सामग्री और बनावट के उपयोग ने पश्चिमी पेंटिंग के लिए एक नया आयाम पेश किया, जिनके नतीजे आज भी महसूस किए गए हैं।
कोलाज के साथ ब्राक के काम का कला की दुनिया पर एक स्थायी प्रभाव पड़ा, विभिन्न आंदोलनों, माध्यमों और शैलियों में कलाकारों को प्रेरित करना कोलाज कला के अभ्यास का अन्वेषण करें। कला के लिए आविष्कारशील और अभिनव दृष्टिकोण ने कलाकारों को अपने एक तरह के सौंदर्यशास्त्र और अद्वितीय, pieced- एक साथ प्रक्रिया के कारण आकर्षित किया। नतीजतन, कोलाज कला के विकास पर ब्रैक का प्रभाव कई कलाकारों के कामों में स्पष्ट है, जैसे कि जेसिका स्टॉकहोल्डर, मार्क ब्रैडफोर्ड, हन्ना होच, कर्ट श्विटर्स और जॉन स्टीज़कर।
10
पब्लो पिकासो
पब्लो पिकासो, विएक्स मार्क की बोतल, 1913. कट-एंड-पेस्टेड प्रिंटेड वॉलपेपर, अखबार, लकड़ी का कोयला, गौचे, और पिन पर पिन, 24 13/16 × 19 5/16 इन (63 × 49 सेमी)।
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पब्लो पिकासो, जॉर्जेस ब्रैक के साथ, कोलाज कला के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उन्होंने तकनीक विकसित की पपियर कोले (पेस्टेड पेपर) 1912 में, जिसमें एक चिह्नित किया गया कला की दुनिया में ग्राउंडब्रेकिंग शिफ्ट। कोलाज कला के लिए पिकासो के अभिनव दृष्टिकोण ने अन्य कलाकारों को प्रेरित किया और बन गया कलात्मक आंदोलनों के लिए एक उत्प्रेरक जैसे कि क्यूबिज़्म, दादा और अतियथार्थवाद।
पिकासो में से एक प्रारंभिक कोलाज कार्य, "गिटार और वाइन ग्लास, "कागज को चिपकाने और लेयरिंग करके छायांकन और संरचना बनाने की उनकी क्षमता को प्रदर्शित करता है। उनकी 1912 की कलाकृति"फिर भी कुर्सी कैनिंग के साथ जीवन"उनके कोलाज काम का एक और महत्वपूर्ण उदाहरण है। इस टुकड़े में, पिकासो ने एक टुकड़ा को शामिल किया एक कुर्सी कैनिंग पैटर्न और एक रस्सी के साथ ऑयलक्लॉथ रचना को फ्रेम करने के लिए। इस कलाकृति ने उच्च और निम्न संस्कृति के बीच की सीमाओं को धुंधला करते हुए, चित्रित तत्वों के साथ रोजमर्रा की सामग्रियों को मिलाकर कला के पारंपरिक विचारों को चुनौती दी।
पिकासो के कोलाज कार्यों में एक था कला की दुनिया पर गहरा प्रभाव, कोलाज कला के अभ्यास का पता लगाने के लिए विभिन्न आंदोलनों, माध्यमों और शैलियों में प्रेरणादायक कलाकार। कला के लिए उनके आविष्कारशील और अभिनव दृष्टिकोण ने अपने अनूठे सौंदर्य और pieced-साथ प्रक्रिया के कारण कलाकारों को आकर्षित किया। नतीजतन, कोलाज कला के विकास पर पिकासो का प्रभाव है कई कलाकारों के कामों में स्पष्ट है जिन्होंने पीछा किया, जैसे डेविड हॉकनी, जैस्पर जॉन्स और मार्टिन किपेनबर्गर।
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हेनरी मैटिस
हेनरी मैटिस, ज़ुल्मा, 1950. कागज पर गौचे। 108 x 60 इंच।
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हेनरी मैटिस के कट-आउट, बनाए गए अपने जीवन के अंतिम दशक के दौरान, कोलाज कला की हमारी समकालीन समझ पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। 1940 के दशक के उत्तरार्ध में, मैटिस ने अपनी कलात्मक कार्यप्रणाली को स्थानांतरित कर दिया और अपने उपकरण के रूप में कैंची का उपयोग करते हुए, अपने प्राथमिक माध्यम के रूप में कागज को काटने के लिए बदल गया। उनके कट-आउट, जिन्हें अक्सर प्राकृतिक दुनिया या अमूर्त रूपों से प्रेरित किया जाता था, को जीवंत रचनाओं में व्यवस्थित किया गया था, जो चित्रफलक पेंटिंग की सीमाओं को पार कर जाती थी और उसे एक नए प्रकार के मुक्त शासन के साथ काम करने की अनुमति दी थी। कई इस अवधि को मानते हैं कलाकार के लिए "एक दूसरा जीवन"। क्या आप इस में उसके चेहरे पर संतोष का रूप नहीं देख सकते हैं दुर्लभ फुटेज एक पेपर कट-आउट बना रहा है?
मैटिस का कट-आउट उनकी अविश्वसनीय रचनात्मकता और जीवन शक्ति का प्रदर्शन किया, चुनौतीपूर्ण परिस्थितियों में भी। उन्होंने अपने करियर के शिखर का प्रतिनिधित्व किया, जो पूरी तरह से अमूर्त शब्दावली के लिए अंतिम संक्रमण को चिह्नित करता है। कट-आउट शैली की उनकी महारत का उनकी कलात्मक यात्रा पर गहरा प्रभाव पड़ा। कट-आउट ने कला में एक नया ऑपरेशन भी पेश किया, जिसे "के रूप में जाना जाने लगा"कैंची के साथ ड्राइंग"। जो अपनी खुद की संरक्षण चुनौतियां प्रस्तुत करता है, जैसा कि आप देख सकते हैं यह श्रमसाध्य बहाली प्रक्रिया.
मैटिस के कट-आउट ने कई आधुनिक अमूर्त कलाकारों को प्रभावित किया और कलाकारों और क्यूरेटर को प्रेरित करना जारी रखें। कला की दुनिया में उनके कट-आउट की सादगी अप्रत्याशित थी, और उन्हें माना जाता था उस समय पूरी तरह से अद्वितीय और कट्टरपंथी उन्हें बनाया जा रहा था। उनके कट-आउट ने मूल रंग और आकार के लिए छीन लिया, एक लगभग चित्रमय प्रकृति पर ले गया, जो चित्रण और ग्राफिक डिजाइन में सौंदर्य के पुनरुत्थान को समझा सकता है।
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कोलाज कला एक अद्वितीय और बहुमुखी माध्यम है जो अंतहीन रचनात्मक संभावनाओं के लिए अनुमति देता है। इस लेख में उल्लिखित प्रसिद्ध कोलाज कलाकृतियों ने अपनी अभिनव शैलियों और तकनीकों के माध्यम से कला की दुनिया में महत्वपूर्ण योगदान दिया है। प्रत्येक कलाकार का अपना अनूठा परिप्रेक्ष्य होता है, और कला की दुनिया पर उनका प्रभाव अन्य कलाकारों के साथ गूंजता है और उनके काम को प्रभावित करता है।
चाहे वह रोजमर्रा की वस्तुओं का उपयोग कर रहा हो, राजनीतिक व्यंग्य, या पारंपरिक लिंग भूमिकाओं पर सवाल उठा रहा हो, कोलाज कला में जटिल संदेशों को नेत्रहीन रूप से आश्चर्यजनक तरीके से संवाद करने की क्षमता है। इन कलाकारों ने दिखाया है कि कोलाज कला केवल काटने और चिपकाने से अधिक है, यह आत्म-अभिव्यक्ति और सामाजिक टिप्पणी के लिए एक शक्तिशाली माध्यम है।
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आलसी नर्ड और दृश्य शिक्षार्थियों के लिए
YouTube पर प्रसिद्ध कोलाज कलाकार
आईसीएमआई
1912 में किस कलाकार ने कोलाज की अवधारणा को कला के रूप में बनाया?
1912 में, अग्रणी कलाकार जिसने बदल दिया कोलाज की अवधारणा कला के एक अलग रूप में पाब्लो पिकासो के अलावा और कोई नहीं था। इस वर्ष के दौरान, पिकासो ने "स्टिल लाइफ विद चेयर कैनिंग" का अनावरण किया, एक उल्लेखनीय काम जिसने कोलाज के आगमन को एक महत्वपूर्ण कलात्मक अभिव्यक्ति के रूप में चिह्नित किया और क्यूबिस्ट आंदोलन में एक नए चरण की दीक्षा को चिह्नित किया।
"स्टिल लाइफ विद चेयर कैनिंग" में सामग्री और तकनीकों का एक अपरंपरागत संयोजन था। पिकासो ने एक अंडाकार के आकार के कैनवास पर एक कुर्सी कैनिंग पैटर्न के साथ मुद्रित ऑयलक्लोथ की एक पट्टी को शामिल किया। पेंटिंग को आगे एक रस्सी के साथ तैयार किया गया था। ऑयलक्लोथ की तरह गैर-पारंपरिक सामग्रियों के समावेश के साथ-साथ विभिन्न तत्वों के इस अभिनव संलयन ने पारंपरिक कलात्मक मानदंडों को चुनौती दी और कला-निर्माण के लिए एक अवंत-गार्डे दृष्टिकोण पेश किया। इस ग्राउंडब्रेकिंग कलाकृति ने दृश्य प्रतिनिधित्व में नई संभावनाओं की खोज के लिए मार्ग प्रशस्त किया और कलात्मक अभिव्यक्ति की सीमाओं का काफी विस्तार किया।
दृश्य कला पर इसके प्रभाव के अलावा, पिकासो के कोलाज के अभिनव उपयोग में कलात्मक दर्शन और रचनात्मक विचार के लिए व्यापक निहितार्थ थे। एक व्यवहार्य कला के रूप में कोलाज की शुरूआत ने कला सामग्री, रचना और प्रतिनिधित्व की प्रकृति के बारे में स्थापित विचारों को चुनौती दी। इस दृष्टिकोण ने कलाकारों को अपरंपरागत सामग्री, बनावट और रूपों का पता लगाने के लिए प्रोत्साहित किया, जो कलात्मक समुदाय के भीतर प्रयोग और पुनर्परिभाषित की भावना को बढ़ावा देता है।
हन्ना होक के काम को किस कलात्मक शैली का हिस्सा माना जाता है?
हन्ना होच की कलात्मक शैली दृढ़ता से दादावाद के साथ जुड़ी हुई है, एक अवंत-गार्डे आंदोलन, जिसका उद्देश्य बेरुखी, विरोधी-अनुरूपता और प्रयोग के अपने आलिंगन के माध्यम से कला और समाज की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती देना था।
होच को अपने फोटोमोंटेज वर्क्स के लिए सबसे अच्छी तरह से जाना जाता है, एक ऐसी तकनीक जहां वह कुशलता से संयुक्त और पत्रिकाओं और समाचार पत्रों से कट-आउट छवियों को संयुक्त रूप से जोड़ती है और जटिल और विचार-उत्तेजक कोलाज बनाने के लिए। उनके फोटोमोंटेज में अक्सर सामाजिक और राजनीतिक मुद्दों पर एक व्यंग्य और महत्वपूर्ण टिप्पणी दिखाई देती थी, जो स्थापित मानदंडों और मूल्यों की दादक अस्वीकृति को दर्शाती है।
दादावाद में होच की भागीदारी और फोटोमोंटेज तकनीकों की उनकी महारत ने आंदोलन की कलात्मक संभावनाओं का विस्तार करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उनके काम ने मौजूदा इमेजरी को विनियोजित और पुन: व्यवस्थित करके ऑथरशिप और मौलिकता की प्रचलित धारणाओं को चुनौती दी, जो कि तोड़फोड़ और iconoclass के दादा लोकाचार के साथ प्रतिध्वनित हुआ।
भविष्य का पूर्वानुमान
दादा कलात्मक आंदोलन भविष्य के कलाकारों के लिए क्यों महत्वपूर्ण था?
दादा कलात्मक आंदोलन पारंपरिक कलात्मक मानदंडों, स्थापित संस्थानों के अपने तोड़फोड़, और बाद के अवंत-गार्डे और प्रायोगिक कला रूपों के लिए मार्ग प्रशस्त करने में इसकी भूमिका के कारण भविष्य के कलाकारों के लिए गहरा महत्व रखता है। प्रथम विश्व युद्ध के दौरान उभरते हुए युद्ध की भयावहता और सामाजिक मानदंडों के खिलाफ एक प्रतिक्रिया के रूप में जो ऐसा लग रहा था, वह एक बल था, जो पारंपरिक कलात्मक सीमाओं को चकनाचूर कर देता था। अनगिनत कलाकारों को जंगली हरकतों से प्रेरित किया गया था और दादा के बोल्ड विरोधी सत्तावादी प्रकृति से प्रेरित थे, जिससे उन्हें कला की दुनिया के क्षितिज का विस्तार करने के लिए प्रेरित किया गया।
दादावाद के सबसे प्रतिष्ठित आंकड़ों में से एक मार्सेल डुचैम्प था, जो अपने ग्राउंडब्रेकिंग काम के लिए जाना जाता है "फाउंटेन," एक चीनी मिट्टी के बरतन मूत्रालय ने छद्म नाम "आर। म्यूट" के साथ हस्ताक्षर किए। Duchamp के निर्माण ने DADA के एंटी-आर्ट लोकाचार को बताया, सौंदर्यशास्त्र की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती दी और दर्शकों को कला के बहुत सार पर सवाल उठाने के लिए मजबूर किया। इस दुस्साहसी अधिनियम का भविष्य के कलाकारों पर गहरा प्रभाव था, जो उन्हें कलात्मक अभिव्यक्ति की परिभाषा और सीमाओं पर पुनर्विचार करने के लिए धक्का देकर था।
दादा आंदोलन ने कला की धारणा को बदलने और स्थापित नियमों को तोड़ने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इसने पाए गए वस्तुओं को शामिल करके पारंपरिक कलात्मक माध्यमों को बाधित किया, कोलाज तकनीक, और प्रदर्शन कला, कलाकारों के लिए अपरंपरागत सामग्री और विधियों के साथ प्रयोग करने के लिए एक मिसाल की स्थापना। दादावाद के तर्क की अस्वीकृति और गैरबराबरी और तर्कहीनता के अपने आलिंगन ने बाद के आंदोलनों जैसे कि अतियथार्थवाद को प्रभावित किया, जिसका उद्देश्य अचेतन मन में टैप करना और कला में तर्कसंगतता को चुनौती देना भी था।
सामाजिक मानदंडों और अधिकारों को चुनौती देने के लिए आंदोलन का प्रभाव कलात्मक प्रथाओं से परे है। परंपराओं का उपहास और अस्वीकार करके, दादावादियों ने यथास्थिति का सामना किया, कलाकारों की भावी पीढ़ियों को अपने रचनात्मक अभिव्यक्तियों का उपयोग करने के लिए प्रेरित किया। सामाजिक समालोचना और परिवर्तन का एक साधन। दादा के विरोधी स्थापना के रुख और यादृच्छिकता, मौका और सहजता की खोज ने भी वैचारिक कला और प्रदर्शन कला के विकास में योगदान दिया, दोनों पारंपरिक सौंदर्य परिणामों पर विचारों और प्रक्रिया को प्राथमिकता देते हैं।
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मुख्य छवि: एडुआर्डो पाओलोज़ी, ट्यूरिंग 6, 2001. रंग फोटो-स्क्रीनप्रिंट। 64 × 53 सेमी।
