Pop Art: Topluma Bir Ayna ve Değişim İçin Katalizör
Pop Art her zaman sınırları zorlayacak ve önyargılı kavramları paramparça etmek için biriydi. Tüketiciliğin ve kimlik siyasetinin uygun olmayan keşfi, sanat dünyası üzerinde derin bir etki bıraktı. Bu makale Pop Art'ın yıkımlarının ve isyancılarının kökenini ve gelişimini araştıracaktır. Artı queer topluluğuyla temel bağları ve sanat kavramıyla oynayan bir sanat formunun kalıcı kitlesel çekiciliği ...
Pop Art'ın kökenleri ve gelişimi
Londra sahnesi
Pop sanatında ortaya çıktı Birleşik Krallık ve Amerika Birleşik Devletleri ortasından 1950'lerin sonları Geleneksel Güzel Sanatlar için bir meydan okuma olarak. İçinde Londra, Pop Art, Amerika Birleşik Devletleri'nde ortaya çıkmasıyla neredeyse aynı anda gelişti1.
Hareket popüler ve ticari kültürden ilham aldı ve sanatçılar günlük nesneleri ve görüntüleri çalışmalarına dahil etmeye çalıştılar2. Pop Art, parlak renkler, cesur çizgiler ve grafik görüntüleri kullanmasıyla karakterize edildi ve genellikle reklam, çizgi roman ve popüler kültür unsurlarını içeriyordu3.
Londra'da, Bağımsız grupSanatçıları, yazarları ve mimarları içeren, pop sanatının gelişiminde önemli bir rol oynadı. Grup, Çağdaş Sanatlar Enstitüsü Londra'da, gibi sanatçıların çalışmalarını sergileyen Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Ve Peter Blake1. Bu sanatçılar sanat ve kitle kültürü arasındaki ilişki ile ilgileniyorlardı ve günlük nesneleri ve görüntüleri çalışmalarına dahil ederek geleneksel güzel sanatlar kavramlarına meydan okumaya çalıştılar.4.
Londra'daki Pop Art, geleneksel değerlerin reddedilmesi ve popüler kültür kutlaması ile karakterize edilen 1950'lerin ve 1960'ların ortaya çıkan gençlik kültüründen de etkilendi.5.
Amerika Birleşik Devletleri'nde Pop Art
Pop sanatında ortaya çıktı Amerika Birleşik Devletleri ortasından 1950'lerin sonları Değişen kültürel manzaraya bir yanıt olarak Savaş Sonrası Amerika. Amerika Birleşik Devletleri'nde pop sanatına 1960'larda en büyük itici güç verildi ve "Pop Art" terimi Aralık 1962'de resmi olarak düzenlenen bir sempozyumda tanıtıldı. Modern Sanat Müzesi2.
Amerikan Pop Art, hane halkı nesneleri ve ikonik ünlüler gibi popüler tüketici sembollerini kullanmasıyla karakterize edildi ve genellikle ticari dünyadan teknik ve malzemeleri ekran baskısı gibi birleştirdi.35. Amerika Birleşik Devletleri'ndeki Pop Art, geleneksel değerlerin reddedilmesi ve popüler kültür kutlaması ile karakterize edilen 1950'lerin ve 1960'ların ortaya çıkan gençlik kültüründen de etkilendi.4.
Fransa, Batı Almanya ve Sovyetler Birliği'ne genişleme
Fransa'da Pop Art, parlak renkler ve cesur çizgiler kullanımı ile karakterize edildi ve genellikle reklam ve popüler kültür unsurlarını içeriyordu.1. Yves gibi Fransız pop sanatçıları Klein Ve Daniel Spoerri Sanat ve günlük yaşam arasındaki ilişki ile ilgileniyorlardı ve günlük nesneleri ve görüntüleri çalışmalarına dahil ederek geleneksel güzel sanat kavramlarına meydan okumaya çalıştılar1.
Batı Almanya'da Pop Art, 1950'lerin ve 1960'ların ortaya çıkan gençlik kültüründen etkilendi ve genellikle siyasi hiciv ve sosyal yorum unsurlarını içeriyor2. Alman pop sanatçıları gibi Sigmar Polke Ve Gerhard Richter Sanat ve toplum arasındaki ilişki ile ilgileniyorlardı ve günlük nesneleri ve görüntüleri çalışmalarına dahil ederek geleneksel güzel sanat kavramlarına meydan okumaya çalıştılar2.
Sovyetler Birliği'nde, pop sanat Batı'dan daha sonra ortaya çıktı ve zamanın siyasi ve sosyal ikliminden büyük ölçüde etkilendi. Sovyet Pop Art, Sovyet temalı görüntüleri kullanması ve sosyal ve politik yorumlara odaklanmasıyla karakterize edildi3.
Sanatsal ikilem ve alt metnin queer gerekliliği
Tüketicilik ve yıkım
Pop sanat sanatçılarının karşılaştığı en önemli sorulardan biri, yaygın tüketici kültürünü kucaklamak veya yıkmaktı.
Pop sanatçıları tüketici kültürünün görüntülerini hem kutlama hem de tüketiciliği eleştiren eserler yaratmak için kullandılar.1. Pop Art, baskın kültürü ona karşı kendi görüntülerini kullanarak altüst etmenin bir yoluydu ve geleneksel güzel sanatlar tarafından genellikle göz ardı edilen günlük nesneleri ve görüntüleri kutlamanın bir yoluydu.4. Warhol gibi bazı sanatçılar hepsini ve sonra bazılarını yapmayı seçtiler. Sanat ve ticaret arasındaki çizgileri bulanıklaştırmak ve izleyiciyi genel olarak sanat dünyası hakkındaki varsayımlarını sorgulamaya zorlamak.
Tüketiciliği eleştiren en ünlü pop sanat parçalarından bazıları şunları içerir:
• Andy Warhol'S "Campbell's Çorba Kutuları" Ve "Marilyn Monroe"Tüketici kültürünün hem kutlama hem de tüketiciliği eleştiren eserler yaratmak için tüketici kültürünün görüntülerini kullanan seriler1. Warhol'un sanatı, geleneksel sanatta benzersizlik ve özgünlük kavramlarına meydan okuyan tekrarlama ve seri kullanım kullanımı ile de karakterize edildi.3.
• Roy Lichtenstein'S "Whaam!" Ve "Boğulan kız"Popüler kültürdeki kadınların nesneleştirilmesini eleştirmek için çizgi roman görüntüleri kullandı2.
• Oldenburg Claes'S "Dev hamburger" Ve "Dev yumuşak tuvalet"Tüketici kültürünün aşırılıklarını eleştirmek için günlük nesneleri kullandı3.
• Richard Hamilton"S" bugünün evlerini bu kadar farklı, çok çekici kılan nedir? " 1950'lerin tüketici kültürünü eleştirmek için kolaj kullandı4.
Andy Warhol ve Fabrika
Pop sanat hareketi üzerinde büyük görünen esrarengiz figür olan Warhol, ünlü bir şekilde stüdyosunu fabrika olarak adlandırdı. Bunu yaparken sanatın iş tarafını kabul etti ve sanat ve ticaret arasındaki sınırları bulanıklaştırdı. Yine de, Warhol'un çalışmalarının yüzeyinin altında, kolay kategorizasyona meydan okuyan yıkıcı unsurlar vardı. Fabrika, gündelik ve olağanüstü çarpıştığı ve sanatın hem bir emtia hem de statükoya meydan okumanın bir yolu olduğu bir çelişkilerdi.
Dada sanatının ve varoluşçunun etkisi
Pop Art, kaos ve saçmalık üzerine gelişen daha önceki bir sanatsal hareket olan Dada'dan da derinden etkilendi. Marcel Duchamp gibi Dada sanatçıları, geleneksel sanat dünyasının alay konusu yaptı ve sanatın doğasını sorgulayan eserler yarattı. Aynı şekilde, Jean-Paul Sartre ve Albert Camus gibi zamanın varoluşçu filozofları, insan varlığının anlamı ve amacı hakkında sorularla boğuştu. Bu ikiz düşünce akımları, pop sanatının gelişimi ve yıkıcı temelleri için verimli bir zemin sağladı.
Kamp estetik ve kimlik politikası
Susan Sontag'ın kamptaki notları
1964'te kültürel eleştirmen Susan Sontag, etkili makalesini kampta not etti. İçinde, hem yıkıcı hem de saygısız olan yeni bir avangard duyarlılığı tarif etti. Camp, Sontag'ın tanımladığı gibi, yapay, abartılı ve tiyatroları kutlayan bir estetikti. Dünyayı bir ironi ve müfreze merceğiyle izlemenin bir yoluydu.
Makale ilk olarak 1964'te yayınlandı ve Sontag'ın ilk katkısı oldu. Partizan İncelemesi1. Deneme, "kamp" kelimesinin anlamlarını ve çağrışımlarını ve popüler kültürde nasıl kullanıldığını düşünüyor2.
Sontag, kampın bir fikir değil bir duyarlılık olduğunu ve bunun abartılı, "kapalı" ve şeylerin sevgisi ile karakterize edildiğini savundu.3. Ayrıca kampın, başkalarının ciddiye aldığı şeylere eğlenceli bir yaklaşımı teşvik ederek ahlaki öfkeyi etkisiz hale getirmenin bir yolu olduğunu savundu.4.
Sontag'ın makalesi, kamp estetiğinin gelişimi ve kimlik politikası ile ilişkisi üzerinde derin bir etkiye sahipti. Kamp estetiği, LGBTQ Kimlik ve cinselliğe eğlenceli bir yaklaşımı teşvik etmenin bir yolu olarak topluluk4.
Sontag'ın makalesi, kamp estetiğinin popüler kültürde büyük bir güç olarak kurulmasına da yardımcı oldu ve çağdaş sanat ve modanın gelişimi üzerinde derin bir etkisi oldu.3.
Kamp ve Pop Art arasındaki bağlantı
Pop sanat ve kamp estetiği arasındaki bağlantılar, popüler kültür, kitsch ve "yüksek" ve "düşük" sanat arasındaki sınırların bulanıklaştırılmasında yatmaktadır.12.
Hem pop sanat hem de kamp estetiği, soyutlamaya ve geleneksel sanatsal değerlere öncelik veren baskın modernist sanat hareketlerine tepkiler olarak ortaya çıktı34. Pop Art, kitle kültürü nesnelerini ve medya yıldızlarını eserlerine dahil ederken, kamp estetiği popüler kültür ve kitsch'i bilinçli olarak yüceltmede canlandırdı12.
"Düşük" sanatın "yüksek" bir sanat bağlamına yeniden bağlamsallaştırarak, pop sanatçıları kamp kutlamalarını ve marjinallere bağlılığını paralelleştirdiler.2. Pop sanat ve kamp estetiği arasındaki bağlantı, marjinal toplulukların sanat dünyası üzerindeki etkisini ve geleneksel sanatsal hiyerarşilere ortak zorlukları vurgular2.
Kimlik ve performansın rolü
Kamp ayrıca kimlik, cinsiyet ve cinsellik konularını araştırmak için bir çerçeve sağladı. 1950'lerde New York'ta genç, eşcinsel bir erkek olmanın karmaşıklıklarına yönelen Warhol gibi sanatçılar için Camp, kimliklerini ifade etmenin ve dünyayla kendi şartlarıyla etkileşime girmenin bir yolunu sundu. Hem birey hem de sanatçı olarak kimlik yapmanın bir yoluydu.
Andy Warhol'un takıntıları ve vahiyleri
Tekrarlayan bir motif olarak Süpermen
Warhol'un çalışmasında ikonik süper kahraman Süpermen tekrar eden bir motif olarak ortaya çıkıyor. Yüzeyde, bu popüler kültür için başka bir baş sallama gibi görünebilir, ancak daha yakın bir inceleme daha derin, daha kişisel bir bağlantıyı ortaya çıkarır. Kendisini büyük şehirde dönüştüren yabancı göçmen olan Süpermen, Warhol'un kendi yolculuğunu kentsel manzarada kimliğini oluşturan genç bir eşcinsel adam olarak yansıtıyor.
Ayrıca, Amerikan çizgi romanlarında popüler bir süper kahraman karakteri olarak, Superman'ın doğal olarak Warhol'un ünlü kültürü ve kitle iletişim araçlarını keşfetmesine sığacak bir kültürel simge2. Süpermen motifi, cesur renkleri ve tanınabilir amblemi ile Warhol'un sanatsal tarzıyla da uyumludur ve görsel dili için doğal bir seçim olarak görülebilir1.
Warhol'un Punk Pop Dönemi
1970'lerde Warhol, punk pop aşaması olarak bilinen bir sanatsal deney dönemine girdi. Bu süre zarfında cinsellik ve arzunun daha karanlık köşelerine girdi ve meşhur "işemek" resimleri gibi eserler üretti. Bu kışkırtıcı parçalar sayesinde Warhol, sanatsal ifadenin sınırlarına meydan okumaya ve kimlik ve cinselliğin karmaşıklıklarını keşfetmeye devam etti.
Elbette geçmişiyle bir punk pop bağlantısı var ... bir bakıma. Warhol'un yönettiği ve ürettiği Velvet Underground'ın müziği, burjuva zevklerine ve yozlaşmış tüketim sistemlerine karşı işçi sınıfı isyanı ile karakterize edildi.1. Warhol Patlayan plastik kaçınılmaz, grubu içeren bir multimedya etkinliği "Electronic: Intermedia: Total Scale" olarak tanımlandı ve Kadife Karanlık, puslu, flaşla aydınlatılmış bir sirkte1. Punk Rock ile bu bağlantı 1970'lerden önce gelirken, Warhol'un hareket üzerindeki etkisini gösteriyor. Deneysel ve asi ... Bundan daha fazla punk nedir?
Commodore Amiga 1000 ve dijital performans
1985'te, Andy Warhol yaklaşıldı Commodore International Yeni kişisel bilgisayarlarının gelişmiş grafik özelliklerini sergilemek için Amiga 10001.
Warhol, fırsatı coşkuyla benimsedi ve Amiga 1000'in "desen taşkın dolguları", "paletli renk" ve "kopya yapıştırma kolajı" gibi en son teknoloji yazılım görüntüleme araçlarını kullanarak bir dizi dijital eser yarattı.1.
Bu dijital eserlerin uzun süredir kaybolduğu düşünülüyordu, ancak 2014 yılında arşivlerinde yeniden keşfedildi. Andy Warhol Müzesi1.Amiga 1000'in lansmanı için Commodore, Lincoln Merkezi içinde New York, Warhol'un bir bilgisayar portresi oluşturduğu yer Debbie Harry23.
Warhol'un Amiga 1000'de oluşturulan dijital eserleri, ikonik onun varyasyonlarını içeriyordu Campbell's Çorba Kutuları, çiçekler ve portreler3. Yeniden keşfedilen dijital sanat daha sonra Warhol Müzesi'nde sergilendi2.
Diğer yıkıcı pop sanatçıları
Marisol, Nikki de Saint Phalle ve Dorothy Grebenak
Birçok sanatçı pop sanatını geleneksel fikirleri keşfetmenin ve zorlamanın bir aracı olarak kullanır / kullanır. Sanat, siyaset, cinsiyet, cinsellik ve daha fazlası hakkında. Marisol, Nikki de Saint Phalle ve Dorothy Grebenak gibi sanatçıların her biri hareket içinde kendi benzersiz nişlerini oydular ve daha fazla tanınma ve takdiri hak eden güçlü iş bedenleri yarattılar.
Marisol
Marisol Escobar, sadece Marisol olarak bilinen, Venezüella-Amerikalı bir heykeltıraştı Paris 1960'larda benzersiz toplantıları ve heykelleri için ün kazanan1. Çalışmaları genellikle pop sanat görüntülerini halk sanat unsurlarıyla birleştirerek, iki stil arasındaki sınırları bulanıklaştırdı1.
Marisol'un Sık Kullanılan Sanatı Fotoğraflardan veya Kişisel Anılardan Nesneler ve İlham Bulundu2. Marisol'un heykelleri, figürlerin bir grup kurulumunda görüldüğü gibi, genellikle kendi yüzüne sahipti. Toledo Sanat Müzesi1. Önemli eserlerinden biri, " Aile"(1962), New York stüdyosunda bulduğu bir ailenin fotoğrafından ilham aldı.4. Heykelleri genellikle üst-orta sınıf toplumunun temsilleri de dahil olmak üzere çağdaş yaşamın hiciv eleştirileri olarak hareket etti2.
Marisol'un sanatsal eğitimi düzensiz ve eklektikti. Beaux-Arts 1949'da Paris'te taşınmadan önce New York3. Çalışmaları, heykellerindeki halk ve çocuksu nitelikler nedeniyle zamanın diğer pop sanatçılarından ayırt edildi.2. KBox benzeri figüratif eserleri için, ahşap ve diğer malzemeleri birleştiren, genellikle tableaux olarak gruplandırılmış3. Sanata yenilikçi yaklaşımı ve toplumsal normlara meydan okuma yeteneği onu bugüne kadar zorlayıcı bir figür haline getiriyor1.
Nikki de Saint Phalle
Niki de Saint Phalle (1930-2002) Fransız-Amerikalı heykeltıraş, ressam, film yapımcısı ve renkli ve yenilikçi eserleriyle bilinen yazardı1. Doğmak Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle, SSanatta resmi bir eğitimi yoktu, ancak birçok çağdaş sanatçı ile ilişkili, genellikle "yabancı sanat" olarak adlandırılan kendine özgü bir stil geliştiriyor2.
De Saint PhalleÇalışmaları geleneksel sanatsal normları ve beklentileri altüst etti. 1960'ların başında, "TIRS" ya da onun için dikkat çekti. "Çekim resimleri, "hazırlanan beyaz toplantılara vurdu, sanatında şiddet ve yıkım duygusu yarattı3. Daha sonra odağını heykellere kaydırdı, açık yürekli, tuhaf ve renkli büyük ölçekli hayvan, canavar ve kadın figürleri içeren "Nanas" serisini yarattı.2.
En kapsamlı çalışması, Tarot Garden, ev büyüklüğünde kreasyonlara kadar çok sayıda eser içeren büyük bir heykel bahçesiydi. Antoni Gaudí'S Parc Güell ve Parco Dei Mostri Bomarzo, İtalya4.
Kariyeri boyunca De Saint Phalle, sanatını aktivizm için kullandı, sosyal ve politik konulara hitap ediyor ve sevinç ve pozitifliği teşvik ediyor3.
Dorothy Grebenak
Dorothy Grebenak (1913-1990), beyzbol ticaret kartları gibi tanıdık konuları içeren büyük, elle toplanmış yün halıları ile tanınan bir Amerikalı pop sanatçısıydı. Gelgit kutular ve dolar faturaları12.
Büyük ölçüde kendi kendine öğretilen Grebenak'ın çalışması, günlük ticari görüntüleri alarak ve onu yıkıcı olmaktan ziyade kamp olarak kabul edilen geleneksel bir zanaat ortamına çevirerek normları yıktı.2.
Pop sanat hareketinde erkek akranları gibi Andy Warhol Ve Roy Lichtenstein, ticari görüntüleri kullandıkları için ün kazandı, Grebenak'ın çalışmaları büyük ölçüde göz ardı edildi ve zamanında devalüe edildi2. Bununla birlikte, sanat pratiği çağdaşlarıyla benzer bir merkezi öncül paylaştı, metin ve görüntüleri ticari medyadan çekti ve başka bir ortama çevirdi2.
Yüzyılın ortalarında mütevazı eleştirel ve ticari başarısına rağmen, Grebenak ama kısa bir süre sonra sanat dünyasından kayboldu2. Halının birçoğu zamanla kayboldu ya da parçalandı2. Kocasının 1971'de ölümünden sonra yer değiştirdi. Londra1990'da öldüğü yer2.
Grebenak'ın çalışması, sanatsal normlara meydan okumak için mizah ve benzersiz bir ortam kullanarak tüketici kültürü ve günlük nesnelerin değeri hakkında bir yorum olarak görülebilir.2. Grebenak'ın çalışması genellikle Pop Art hareketinde göz ardı edildiği belirtiliyor ve sanat dünyasını terk etme nedenleri tartışılıyor2.
Rahibe Corita Kent, Martha Rosler ve Idelle Weber
Benzer şekilde, Rahibe Corita Kent, Martha Rosler ve Idelle Weber, sanatlarını etraflarındaki dünyayı sorgulamak için kullandılar, hayatlarını kadın ve sanatçı olarak yöneten toplumsal normları ve beklentileri sorguladılar. Çalışmaları, sanatın dönüştürücü gücünün ve dünyayı görme şeklimizi değiştirme yeteneğinin bir kanıtıdır.
Rahibe Corita Kent
Rahibe Corita Kent (1918-1986), Frances doğumlu Elizabeth Kent, canlı ve sosyal olarak bilinçli pop sanatıyla tanınan bir Amerikalı sanatçı, tasarımcı, eğitimci ve eski dini kız kardeşiydi1.
O katıldı Tertemiz Kalbin Kızkardeşleri ile ilgili Mary 18 yaşında ve kız kardeşi aldı Mary Corita Kent1. Sanat okudu Chouinard Sanat Enstitüsü (Şimdi Calarts) ve bir derece kazandı Los Angeles'S Tertemiz Kalp Koleji2.
Kent'in sanat eseri Kutsal Kitap, modern şiir ve dini veya laik görüntülerle popüler şarkı sözleri3. Cesur ve renkli ipek ekran baskıları, yoksulluk, açlık ve barış gibi konuları ele alarak sosyal adalet nedenlerini savundu4. 1960'ların başında ün kazandı ve manastırını terk ettikten sonra bile sanat yaratmaya devam etti4.
Corita Kent'in çalışmaları, güçlü umut, sevgi ve sosyal farkındalık mesajları ile kutlandı4.
Martha Rosler
Martha Rosler 1943'te doğan, fotoğraf, fotoğraf metni, video, kurulum ve performans sanatındaki çalışmaları ile tanınan bir Amerikalı sanatçı1. O merkezli Brooklyn, New York2. Rosler'in sanatı genellikle savaş, cinsiyet ve tüketici kültürü gibi sosyal ve politik konulara hitap eder3.
Dikkate değer dizilerinden biri, "House Beautiful: War Eve Getirme" kolajlarıdır. Vietnam Savaşı ev dekoru dergilerinden resimlerle3. Bu seri, savaşın şiddet ve ev hayatının rahatlığı arasındaki kontrastı vurgular ve Amerikan emperyalizminin bir eleştirisi olarak hizmet eder3.
Kariyeri boyunca Rosler, düşündürücü ve sosyal olarak bilinçli sanatıyla tanındı.2.
Idelle Weber
Idelle Weber (1932-2020) Pop Art ve Fotorialism'deki çalışmalarıyla tanınan bir Amerikalı sanatçıydı1. Kurumsal ve yerli ortamlarda meçhul siyah beyaz konturlu figürlere sahip olan 1960'lardan ve 70'lerden gelen erken siluet eserleri için tanındı.1. Bu eserler genellikle reklam ve tüketici kültürünün görsel dilini altüst ederek, kurumsal dünyayı ve bunun toplum üzerindeki etkisini eleştirdi21.
Weber'in sanatı çığır açan 2010 sergisinde yer aldı "Baştan çıkarıcı Subversion: Kadın Pop Sanatçıları, 1958–1968"2. Daha sonraki çalışmaları, çöp ve kentsel manzaralar gibi konulara odaklanarak fotogeralizme genişledi3.
Savaş sonrası kadın sanatçıların katkıları yeniden incelenirken, Weber'in çalışmaları yenilikçi yaklaşımı ve tüketicilik ve toplumsal normlar hakkındaki eleştirel yorumları için yenilenmiş olarak tanındı.1.
Rosalyn Drexler, David Hockney ve Ray Johnson
Rosalyn Drexler, David Hockney ve Ray Johnson gibi diğer queer sanatçıları, cinsiyet, cinsellik ve kimlik sorunlarıyla yüzleşmek için sanatlarını kullanarak daha doğrudan bir yaklaşım benimsedi. Çalışmaları sayesinde, marjinalleştirilmişlere ses verdiler ve ana akımlara kendi önyargılarıyla ve varsayımlarıyla yüzleşmeleri için meydan okudular.
Rosalyn Drexler
Rosalyn Drexler (1926 doğumlu) Amerikalı bir görsel sanatçı, romancı, OBIE Ödüllü oyun yazarı, Emmy Ödülü-Bu Winning senarist ve eski profesyonel güreşçi1. Pop sanat hareketinde önemli bir feminist ses olarak kabul edilir2.
Drexler, 1961'de popüler kültürün görüntülerini kullanmaya başladı, aynı yıl Andy Warhol Ve Roy Lichtenstein3. Sanat eseri genellikle filmlerden gelen sahneler gibi medya görüntülerini kolaj tarzında, cesur renklerle ve çarpıcı kompozisyonlarla birleştiriyor2.
Drexler'in çalışmaları, pop ödeneklerinde kişisel ve bazen daha karanlık bir dönüş sunan samimiyet, şiddet ve erkeklik temalarını araştırıyor3. Bir anne, bir kadın güreşçi ve bir yazar olarak deneyimleri bu temaları etkiledi3.
Görsel sanatına ek olarak Drexler, genellikle benzer temaları ve deneyimleri yansıtan ödüllü oyunları ve romanlarıyla bilinir.3. Çok disiplinli sanatsal uygulaması, sanat eserinde yıkım ve semboloji konusundaki benzersiz yaklaşımına katkıda bulundu.2.
David Hockney
David Hockney (1937 doğumlu), 20. yüzyılın en etkili İngiliz sanatçılarından biri olarak kabul edilen ve pop Art hareketine önemli bir katkıda bulunan bir İngiliz ressam, ressam, baskı üreticisi, sahne tasarımcısı ve fotoğrafçıdır.1.
Hockney'in çalışmaları, yenilikçi ve ayırt edici parçalar yaratmak için resim, çizim, baskı yapımı, fotoğrafçılık ve dijital sanat gibi çeşitli medyaları birleştirerek normları sık sık yıktı1.
Hockney'in en ünlü dizilerinden biri olan yüzme havuzu resimleri, ışığın su üzerindeki etkileri ve canlı renkleri ile büyüsünü sergiledi. Kaliforniya manzara2. Bu eserler genellikle eğlence ve Amerikan rüyasının geleneksel temsiline meydan okuyan bir tecrit ve içgözlem duygusu içeriyordu.2.
David HockneyEşcinsellik, eşcinsellik 1967'de suçlu bulunmadan önce bile, eşcinsel sevgi ve arzu temalarını açıkça araştırdığı için sanatında önemli bir etki yarattı.1. Hockney'in ilk eserleri genellikle modellerin görüntüleri yer aldı. Fiziği, bir fitness dergisi, eşcinsel erkeklere yönelik olarak pazarlanmıştır1. Şarkıcı arzusuna yoğun bir şekilde kodlanmış referanslar içeren en eski resimlerinden bazıları ile sanatıyla "eşcinselliği propaganda etmeyi" amaçladı. Cliff Richard2.
Hockney'in şair için hayranlığı C.P. Küvet Cavafy'nin mahkum eşcinsel aşk hakkındaki şiirlerinden esinlenen bir dizi baskı yaratmasına yol açtı2. Sanatı, eşcinselliğin hala tabu bir konu olduğu bir dönemde hayatını genç bir eşcinsel adam olarak yansıtan samimi ilişkileri ve kişisel deneyimleri tasvir etti.2.
Hockney'in cinselliği ve sanatında ele alma isteği hakkındaki açıklığı, onu LGBTQ+ topluluğu için bir öncü ve bir rol modeli haline getirdi.2.
Robert Indiana, Duane Michels ve Keith Haring
Robert Indiana, Duane Michels ve Keith Haring, kültürel marjlardaki hayatı keşfetmek için ayırt edici stillerini kullanarak pop sanat hareketine işaret ettiler. Sanatları sayesinde, insan deneyiminin zenginliğini ve çeşitliliğini kutladılar ve sanatın ne olabileceğini ve yapabileceğinin sınırlarını zorladılar.
Robert Indiana
Robert Indiana Pop Art hareketinde merkezi bir figürdü. Sanatı, Amerikan kültüründeki Amerikan kültüründe tüketici eğilimlerini ve siyasi aşırılıkları sık sık eleştirdi.2. Ama en iyi ikonik ile tanınıyor AŞK seri1.
Indiana'nın sanat eserlerinde simboloji kullanması, 20. yüzyılın en tanınmış sanat eserlerinden biri haline gelen aşk serisinde belirgindi.3. "O" ile "aşk" kelimesinin basit ama güçlü bir şekilde düzenlenmesi, orijinal bağlamını aşan ve geniş bir kitleyle yankılanan bir barış ve birliğin sembolü haline geldi.1.
Robert Indiana etkili bir şekilde sevgiyi markalaştırdı. Sanat eseri ile 1960'larda yaratılışından bu yana popüler kültürde çeşitli şekillerde kullanılmıştır. İkonik tasarım, büyük kamu heykellerinden posta pullarına kadar değişen formatlar halinde çoğaltılmıştır1. Dünyanın dört bir yanına kurulmuş 50 aşk heykel var2. Görüntü ayrıca halılar ve kaykaylar gibi sayısız mal öğesinde de yer aldı.3.
Duane Michals
Duane Michals genellikle metafizik temaları araştıran sıralı fotoğraflar aracılığıyla yenilikçi hikaye anlatımı ile bilinen Amerikalı bir fotoğrafçı1. Çalışmaları, fotoğrafçılığın sınırlarını bir ortam olarak zorlayarak, sadece gerçekliği belgelemek yerine fikir ve duyguları yakalayarak toplumsal normları yıktı.2.
Michals kendini fotoğrafta çalışan, hayal ettiği hikayeleri sahneleme ve fotoğraflayan bir yönetmen olarak gördü1.
Michals'ın çalışmaları, eşcinselliğin daha az kabul edildiği bir zamanda eşcinsel bir erkek olarak perspektifini yansıtarak, hayatın tuhaflığı ve uyumsuzlukları temalarıyla sıklıkla ilgilendi.3. Cinselliği konusunda açıktı ve onu insan ilişkilerinin ve duygularının karmaşıklıklarına hitap ederek sanatına dahil etti3.
Çığır açan sıralı fotoğraflarına ek olarak, Michals'ın bir dergi fotoğrafçısı olarak ticari çalışmaları, bir stüdyo ortamından ziyade ortamlarındaki insanların portrelerini yakalayarak farklı bir yaklaşım benimsedi.1.
Jean-Michel Basquiat
Jean-Michel Basquiat (1960-1988), neo ekspresyonist resimleriyle bilinen bir Porto Rikolu/Haiti Amerikalı sanatçıydı ve duvar yazısı sanat1. Toplumsal normları, genellikle ırk, sınıf, güç ve kimlik konularıyla ilgilenen metin ve görüntüleri içeren ham, unapologetic tarzı aracılığıyla altüst etti.2. Basquiat'ın sanatı, servete karşı yoksulluk, entegrasyon ve ayrımcılık ve iç ve dış deneyim gibi ikiliklere odaklandı3.
Basquiat, resimlerinde sosyal yorumları içgözlem ve zamanının siyah topluluğundaki deneyimleriyle tanımlamak için bir araç olarak kullandı ve güç yapılarına ve ırkçılık sistemlerine yönelik saldırılar3. Görsel şiirleri, sömürgecilik ve sınıf mücadelesine destek konusundaki eleştirilerinde akut olarak politik ve doğrudan4.
Genç bir siyah sanatçı olarak, Basquiat'ın çalışması ağırlıklı olarak beyaz sanat dünyasına meydan okudu ve marjinal toplulukların deneyimlerine dikkat çekti1. Sanata çığır açan yaklaşımı ve geleneksel sanatsal normlara meydan okuması onu neo ekspresyonist hareketinde önemli bir figür haline getirdi2.
Pop sanatının kalıcı çekiciliği ve radikal mirası
Pop Art, ironik karmaşıklığı ve öz-bilinçli oynaklığı ile izleyicileri bugüne kadar büyülemeye ve meydan okumaya devam ediyor. Hareketin pek çok farklı insanla konuşma yeteneği ve statüko ile yüzleşme ve yıkma istekliliği, kalıcı çekiciliğinin bir parçasıdır. Ve tarihine baktığımızda, Pop Art'ın tüm radikal ve yıkıcı ihtişamıyla modern dünyamızı şekillendirmede önemli bir rol oynadığı açıktır.
...
Gördüğümüz gibi, pop art sadece gösterişli, yüzeysel bir hareketten çok daha fazlasıydı. Tüketiciliğin, kimlik politikasının ve sanatsal ifadenin sınırları karmaşık ve çok yönlü bir araştırmasıydı. Pop mirası Sanat ve queer öncüleri, Andy Warhol gibi, sanat dünyasında yankılanmaya devam ediyor, bize sanatın dönüştürücü gücünü ve varsayımlarımıza ve önyargılarımıza meydan okumanın önemini hatırlatıyor.
...
